Firebird de Natalie Imbruglia, un oiseau de feu qui réchauffe

Un oiseau de feu qui réchauffe

Natalie Imbruglia fait partie de ces artistes dont l’ampleur strastophérique emprunté par son seul hit, le toujours aussi efficace Torn, aura été plus une malédiction qu’autre chose. Le monde n’aura finalement retenu que ce titre en négligeant le reste de sa discographie qui mérite pourtant l’écoute.

L’artiste revient cet automne avec un sixième album studio solaire et entraînant. En l’écoutant on s’imagine un soir d’été au coin d’un feu de camping ou bien lors d’une chaude journée automnale en profitant des derniers rayons de soleil avant la rigueur de l’hiver.

L’artiste signe 14 titres à la mélodie entraînante et au paroles positives comme le lead single Build it better ou What it feels like qui ravivent le souvenir d’une pop rafraîchissante. Dommage que la production ne soit pas toujours à la hauteur, certains titres souffre d’un aspect lisse qui n’aide pas à les sortir du lot. Mais cela fait du bien d’entendre de vrais instruments sur une artiste pop.

La seconde partie de l’album impulse un esprit presque folk avec l’envoûtante Dive the deep ou la déferlante River. On aimerait entendre l’artiste plus souvent dans ce genre de registre incantatoire.

Sans prétention ni volonté de révolutionner l’industrie musicale. L’artiste signe un album réjouissant de bonne humeur, aux paroles soignés et aux rythmes entêtants.

Description : Natalie Imbruglia revient avec son tout nouvel album Firebird et un premier single solaire « Build It Better » . Après dix ans d’absence, et après avoir choisi de rester hors de la lumière après son succès monumental dans les années 90, ce nouvel album à venir a été écrit et enregistré entre le Royaume-Uni, les États-Unis et son pays natal, l’Australie, et coécrit avec des artistes comme Albert Hammond Jr de The Strokes, Romeo Stodart de The Magic Numbers, KT Tunstall, et bien d’autres, et produit par Natalie et My Riot.

Label ‎Bmg Rights Management
Nombre de disques ‎1
ASIN ‎B096M1LFN3

Chez Mezerg de Mezerg

Mezerg aka Marc Mezergue est un pianiste de génie ! Il ne cesse de révolutionner le monde musical en apportant l’electro à l’acoustique et en créant des accessoires comme le Piano Boom Boom. C’est une figure excentrique à part entière qui transmet son énergie par le biais de la musique.

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Chronique : Mezerg a eu l’idée de sortir son premier album avec ses meilleurs morceaux y sont tous réunis pour notre plus grand plaisir…

Génie mêlant instruments électroniques et acoustiques, le Français Mezerg cherche perpétuellement à faire évoluer sa musique. Cette album d’une rare ingéniosité partage avec perfection l’ensemble de l’identité musicale de l’artiste. Le créateur du Piano Boom Boom, piano qu’il a amélioré en ajoutant aux pédales des caissons de basses créant des kicks, harmonise le tout avec une main sur le piano, une autre sur le thérémine, pieds sur les pédales , le tout en bougeant la tête. Il ne s’arrête jamais de bouger. Marc Mezergue ne manque jamais d’énergie, d’innovation et d’ambition.

La FACE A ouvre le bal avec “Rave”, le morceau qui met en avant le piano Boom Boom, piano couplé au thérémine permettant d’allier l’électro à l’acoustique en un seul mouvement.

La FACE B, quant à elle commence par “Watermelon”, une autre invention de Mezerg. De quoi voyager et ambiancer les soirées ! Il explore des genres musicaux variés, propres à son univers. Il transmet son énergie par le biais de la musique pour un rendu unique et original de piano et techno aux sonorités envoûtantes.

Douze morceaux qui permettent d’avoir un ensemble du parcours de l’artiste. Concernant ceux qui ne le connaissent pas encore, c’est un artiste à avoir absolument dans ses vinyles, ne serait-ce que pour l’originalité et le génie de son travail !

En somme, ce vinyle est à conserver au chaud, chez soi pour ambiancer vos soirées et déconnecter le temps de quelques instants.

Note : 9,5/10

Dimensions du produit (L x l x h) ‏ : ‎ 31.5 x 31.5 x 0.6 cm; 240 grammes Fabricant ‏ : ‎ Diggers Factory Label ‏ : ‎ Diggers Factory ASIN ‏ : ‎ B08T76WGG9

Entretien avec Ophidian

Ophidian, de son vrai nom Conrad Hoyer le 1er septembre 1981, est un producteur et disc jockey de techno hardcore néerlandais. Son titre le plus connu au sein de la scène underground est Butterfly VIP.

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Avez-vous grandi dans une famille de musiciens / Avez-vous commencé à jouer très tôt ?

J’ai fait de la musique presque toute ma vie, en commençant par des cours de piano à l’âge de cinq ans. Je n’ai jamais vraiment aimé jouer parce que je devais faire mes devoirs et autres, alors que j’inventais mes propres trucs. J’ai fait mes premières petites chansons au piano avant de découvrir l’électronique vers l’âge de 10 ans. Je me suis amusé avec les claviers, ainsi qu’à enregistrer des mixes sur cassettes. (En fait, à ce stade j’ai enregistré quelques morceaux avec Tijs Ham, qui adoptera plus tard son alias Tapage).

Que veut dire Ophidian pour vous? 

Vers l’âge de 13/14 ans j’ai découvert le label Ruffneck et le son hardcore et je l’ai adoré instantanément. Cela m’a poussé à exercer mes talents de producteur, avec comme objectif principal une sortie sur ce label. Malheureusement pour moi, pour diverses raisons, le label a été fermé avant que je fasse une vraie démo. Cependant,un an plus tard (en 1998, j’ai presque 17 ans) DJ Ruffneck a accepté ma démo pour son nouveau label Gangsta, et il m’a donné mes premières sorties, pour lesquelles j’ai utilisé mon alias Trypticon. En plus de ces disques, j’ai commencé un projet parallèle pour le sous-label Gangsta Supreme Intelligence. Pour ce style plus lent et plus sombre, j’ai adopté un nouveau nom, qui était Ophidian. Plus tard, lorsque les deux labels se sont fermés et que j’ai déménagé chez Enzyme, j’ai décidé d’abandonner le style Trypticon et de faire d’Ophidian mon alias principal. Depuis 2001, j’ai utilisé ce nom pour la plupart de mes disques, et c’est le nom sous lequel les gens me connaissent. Pour ce style plus lent et plus sombre, j’ai adopté un nouveau nom, qui était Ophidian.

Comment est venu cette passion pour le hardcore ?

J’ai toujours écouté et produit un très large éventail de styles, de la pop et du métal au hardcore et aux pépins électroniques sans cervelle. Quand je conduis ma voiture ou que je me détend, j’écoute rarement du hardcore. Les CD qui ont été coincés dans mon autoradio la plupart du temps sont soit System of a Down, soit par Venetian Snares. Les styles que je crée en plus du hardcore et de l’IDM sont généralement juste pour le plaisir et ne sont pas destinés à être diffusés, cependant je pense que tous les styles s’influencent mutuellement. Je pense que les croisements les plus notables sont les influences classiques et IDM dans mes morceaux hardcore ces dernières années.

Quels sont les morceaux qui vous ont fait basculer dans cette musique ?

Pas vraiment des morceaux mais plus des artistes comme Aphex Twin qui m’a beaucoup influencé. J’ai adoré son son plus ancien et granuleux, ainsi que son travail plus complexe. Il m’a toujours semblé être un fou, faisant exactement ce qu’il voulait faire. Il n’a jamais l’air de tirer les ficelles, tout est si effronté et franc, même si la musique elle-même est subtile.

De plus, son travail au synthé est insensé. Plus vous écoutez, plus vous trouvez de détails dans son travail.

D’autres artistes qui m’ont influencé sont par exemple Erik Satie, Venetian Snares, Linkin Park (vraiment !), Speedy J., et bien d’autres.

Quelle est votre motivation quotidienne pour produire de la musique?

Dès le début de mes intérêts musicaux, j’ai eu l’idée de créer mes propres œuvres.

Par exemple, j’ai imaginé une chanson pour ma petite sœur à l’âge de 4 ans, et j’ai commencé à écrire des chansons au piano un an plus tard. Tout cela était très basique, bien sûr.

Quand j’avais 9 ou 10 ans, c’était vers 1991, j’ai commencé à écrire de la musique au clavier avec mon ami Tapage. Nous enregistrions les chansons sur cassette.

Quand mes parents m’ont offert mon propre clavier, il avait une fonction d’enregistrement intégrée, ce qui signifiait que je pouvais faire des overdubs et créer des chansons à plusieurs niveaux. C’est à ce moment-là que j’ai pu commencer à réfléchir davantage à la structure et à l’instrumentation.

La première musique que j’ai faite sur un ordinateur est arrivée peu de temps après, en écrivant des fichiers de modélisation à 4 canaux. C’était tellement étonnant pour moi à l’époque.

Lorsque vous faites de la musique, que visez-vous à accomplir avec chaque morceau ? Vos morceaux ont-ils une signification personnelle pour eux ou avez-vous simplement pour objectif d’améliorer vos compétences techniques ?

Obtenir un bon morceau est souvent un défi. Le hardcore est un genre très actif, et j’ai la mauvaise habitude de vouloir mettre beaucoup trop de choses dans une chanson, donc c’est une lutte pour donner une place à tout. Je pense que je m’améliore pour réduire un peu les choses.


D’un point de vue technique, quels sont, à votre avis, les défis les plus difficiles à relever lorsqu’il s’agit de produire un morceau hardcore ?


Pour l’instant, il semble que je ne serai jamais à court d’idées, d’énergie ou d’inspiration pour faire mon propre travail (je croise les doigts). Il y a tellement de choses que je veux encore faire, des remixes aux albums thématiques, dans toutes sortes de genres.
Malheureusement, le temps est un énorme obstacle et la question est souvent de savoir « quand » travailler sur de la nouvelle musique, pas « quoi » faire. Si cela ne tenait qu’à moi, je ferais beaucoup plus.
Presque tous les morceaux que je fais ont un sens d’une manière ou d’une autre. Parfois, c’est une réaction à quelque chose qui se passe dans le monde en ce moment, mais le plus souvent c’est une signification personnelle. Un morceau peut également être basé sur une situation ou une histoire fictive, que j’essaierai d’illustrer dans la sensation et l’atmosphère du morceau. Bien sûr, de temps en temps je fais juste des morceaux parce que j’ai envie de faire des morceaux !

Ophidian - New track: “Silver” - strings part from the...

Quel matériel/logiciel utilisez-vous actuellement pour faire de la musique ?

Bien que j’aie des synthés et des effets empilés autour de moi dans mon studio, je m’en tiens souvent au domaine logiciel lors de la création de pistes. J’aime varier les logiciels et les séquences que j’utilise. Par exemple, au cours de la dernière année, j’ai sorti des morceaux que j’ai créés dans Cubase, Fasttracker, Madtracker, Renoise, Psycle et Logic ainsi que des morceaux que j’ai créé en utilisant uniquement des éditeurs Wave. Assez drôle, j’utilise n’importe quoi, à l’exception des très populaires Fruity Loops et Reason. Quand je joue en live, c’est tout le contraire. J’apporte toujours mon propre mélangeur et effets externes, ainsi qu’un échantillonneur et un clavier. Le fait que j’utilise réellement chaque pièce d’équipement que j’ai sur scène pendant le set me demande beaucoup de travail pour construire. Jouer avec et décomposer tout. Je pense que ça vaut le coup, parce que je vis mes sets en live.

Butterfly VIP est peut-être encore l’un de vos titres les plus populaires et j’imagine que beaucoup s’attendent à ce que tu la joues pendant tes sets, encore aujourd’hui. Quel est le lien entre ce titre et tes nouvelles sorties ?

Cette chanson m’a ouvert des portes, et c’est probablement la première sur laquelle j’ai montré que je pouvais faire un travail mélodique. C’était une chanson assez naïve, ce qui a joué en sa faveur je pense.

Les sorties ultérieures ont cependant souvent été beaucoup plus étagées et profondes, et personnellement je pense que j’ai fait mes meilleures chansons mélodiques dans les années plus récentes.

Butterfly VIP était peut-être plus un morceau tremplin pour moi à l’époque, mais c’est très bien que les gens l’aiment toujours autant.

Pouvez-vous nous en dire plus sur l’histoire derrière ce nouvel album et son inspiration ?

Après avoir discuté avec le label, l’idée dès le départ était de faire un album d’artiste traditionnel dans le sens où c’est un seul CD, tous les morceaux sont nouveaux, il n’y a pas de remix et pas de collaboration. Ce n’est pas une compilation de tout ce que j’ai fait récemment et de tous ceux avec qui j’ai travaillé, mais un concept autonome avec du matériel frais.
L’album a commencé un peu différemment des autres que j’ai fait dans le passé, car souvent, avant même d’avoir fait une seule chanson, j’avais déjà une idée assez précise du titre et du concept de l’album. Cette fois, j’ai juste commencé sur les chansons et j’ai regardé pour voir où elles allaient. Il était assez clair cependant qu’un thème principal allait être la personnalité et les différents aspects de l’esprit. Évidemment, vous n’avez pas besoin de savoir quoi que ce soit sur le concept en écoutant les morceaux, mais pour les personnes qui sont intéressées par une prise plus profonde, il y a un thème à trouver. Et puis, il y a aussi le morceau Subwoofer qui n’appartient à aucun thème.

Comment voyez vous la scène hardcore actuelle ?

A mon avis, il y a beaucoup d’artistes, à la fois producteurs et DJ, qui semblent être coincés. Recyclant leur propre travail et celui des autres et ne bougeant nul part. Mais en même temps, il y a quelques gars qui m’ont vraiment surpris de manière très positive, par exemple Endymion & Nosferatu qui ont fait des morceaux de dancefloor presque parfaits et N-Vitral et Void Settler qui ont apporté un vent frais au moins zone hardcore grand public. Je pense que les fans inconditionnels ont à peu près à espérer dans un avenir proche. Le principal danger pour les artistes encore en développement est à mon avis de maximiser les possibilités dont nous disposons. Que ferons-nous après que quelqu’un ait fait le morceau mélodique parfait ? Ou le ravage parfait, industriel, glitch-up ? Je pense que la musique elle-même trouvera une solution à cela.

Si vous deviez faire un duo sur scène, avec qui aimeriez vous le faire?

C’est en court avec des gens comme The Playah, Dyprax et The Outside Agency entre autres mais je suis plus sur une forme de projet solo .

Je te remercie pour cette interview et vous laisse le mot de la fin.

Je ne suis pas très doué pour les mots de la fin, J’ai vraiment hâte de partager mon album avec vous ! Cela fait longtemps que je n’ai pas fait un gros projet comme celui-ci dans lequel je peux montrer différentes facettes de mon son et je suis ravi de vous montrer ce que j’ai trouvé.

INTERVIEW : Alicia Desnoyer

Call Of The Void (Original Mix)

Entretien avec Robert Taylor du groupe Fifth Era Part 2

Bonjour Robert, merci pour cette seconde interview où nous désirons aborder des questions plus profondes.

Fifth Era a des sonorités mi-bibliques mi-religieuses dans ses morceaux, quelles en sont les influences ? Est-ce littéraire, une éducation dans laquelle vous avez grandi ou simplement une ligne directrice que le groupe a choisie?

Les sonorités du groupe sont à la fois une amplification de l’interprétation obsessionnellement vivante du récit biblique, de nos expériences personnelles afin d’expérimenter des rythmes et des styles différents. De cette façon, le voyage musical que l’on propose est aussi profondément ressenti à l’écoute que ce soit simplement dans les sons électroniques mais aussi dans le sous texte.

La plupart des musiques adoptent un style propre que l’on reconnaît rapidement pour s’adapter à l’oreille musical du plus grand public. Avec Fith Era notre but est également d’aller et tester des sons moins «traditionnels » . Chaque membre du groupe est catholique et même si nous ne pratiquons pas la religion, les symboliques religieuses nous intéresse pour donner aux morceaux un son précis. Même si le premier son reconnaissable est la musique électronique on y utilise des instruments tels que le Ney, le Qanun et de nombreux tambours à main que l’on déforme afin de créer cette ambiance que l’on combine de façon transparente avec un son plus commun. Ce style permet d’ouvrir les portes à un genre élargi de musique « mondiale »et créer un son que tout le monde peut apprécier pour écouter et danser dessus. Le but est que notre musique fait naître de nombreuses émotions tout au long des écoutes, On veut faire sentir la douleur émanant du chant avec une atmosphère très inquiétante qui plane sur la musique. Et la ligne directrice est bien celle choisi par le groupe. Les deux grandes référence littéraires que nous avons sont La Divine Comédie de Dante et Le Paradis Perdu de Milton.

Quelle est la signification du cygne qui accompagne (le dessus) de Fifth Era?

Pour nous le cygne a une particularité et non des moindres. Le cygne est symbole de pureté, de transformation et d’évolution ; il symbolise l’atteinte d’une grâce intérieure, une finalité qui doit advenir en nous. Nous sommes tous appelés à dépasser notre condition, à faire notre mutation et à déployer nos ailes pour nous élever comme des anges.

Pourquoi nous retrouvons 65.66.65? Qu’est ce que cela signifie?

Cela est une référence à la Bible ce sont des Psaumes : J’ai exaucé ceux qui ne demandaient rien, Je me suis laissé trouver par ceux qui ne me cherchaient pas :J’ai dit: Me voici, me voici! A une nation qui ne s’appelait pas de mon nom / Ainsi parle l’Éternel: Le ciel est mon trône, Et la terre mon marchepied. Quelle maison pourriez-vous me bâtir, Et quel lieu me donneriez-vous pour demeure?

C’est une des symboliques Ésaïe ses psaumes sla conclusion de la réponse de l’Éternel à la prière du peuple.C’est une séparation définitive est annoncée entre les fidèles et les méchants ; mais, tandis qu’au chapitre 65 le prophète, après avoir prononcé le rejet des impies, s’est arrêté à peindre l’heureux avenir des fidèles, il retrace ici les grands actes de jugement par lesquels sera préparé l’avènement du nouvel ordre de choses. Les fidèles sont invités à se réjouir de ces jugements ; les méchants doivent trembler au contraire à la menace d’être privés pour toujours du salut.

A chaque sortie de disque, les ventes sont très vite soldées. Pourquoi si peu d’exemplaires? A l’ère du numérique, pourquoi privilégier les vinyles ?

L’ère du vinyle a commencé au tournant du 20e siècle puis les cassettes – jouables dans les voitures avec une bonne qualité sonore à l’époque – ont pris le dessus ensuite les CD ont connu une expansion sans précédent. Maintenant, le streaming interactif est dominant et en fait, il semble que le streaming interactif deviendra l’un des modes de diffusion les plus durables de tous les temps mais notre musique n’étant pas si commercial nous privilégions le vinyles pour la qualité sonores et en tant qu’objet de collection. Les ventes partent vite à cause du peu d’exemplaire mais cela est réfléchi pour ne pas en avoir en stock et de rémunérer chacun. Il s’avère que les téléchargements n’ont jamais été une bonne affaire pour les maisons de disques. Ceux qu achètent nos disques sont des fans, des collectionneurs et des personnes qui mixe avec.

Sur You tube vos vidéos qui sont très ressemblantes, images saccadées, paysages brumeux, est-ce vous qui filmer? Sur certaines vidéos nous apercevons un chien, un Shar-Peï, est-ce le vôtre?

C’et bien moi qui filme les clip videos. Youtube étant aussi sources de ressource pour nous. Les videos y sont monétisé donc cela nous fait un peut d’argent et le public peut écouter gratuitement nos titres. Avec le vinyle c’est ce qui nous convient le mieux. La plupart des clips sont tourner à coté de chez nous en Angleterre, que ce soit sur le chemin du travail, en balade ils illustrent le sentiment que l’on ce fait de la musique. Le Shar-Peï dans les vidéos est bien le mien et j’ai même composé sur lui. Je trouve ses chiens très calmes et humbles.

Petite remarque, sur tous vos débuts de morceaux sur You tube, ils commencent par une phrase. Que veut-elle dire ?

Si vous tendez bien l’oreille vous écouterez que je marmonne : 65.66.65. C’est mon signe que c’est bien mes videos c’est une sorte de signature.

En tant que professeur dans une école de musique, qu’enseignez-vous à vos élèves? Parlez-vous de votre parcours avec le Doomcore ?

Pour moi le Doomcore n’est pas une forme de musique mais un état d’esprit. Je dirais que c’est pour chaque auditeur ce style sonne different. Le Doomcore est un nom souvent mal utilisé de nos jours, mais lorsque le terme a été inventé, il représentait principalement une techno hardcore lente, palpitante, obsédante, généralement avec une ambiance sombre et ce n’est pas ce que j’enseigne à mes élèves. Certains connaissent mon parcours mais le but n’est pas de faire son autopromotion .

En tant que professeur mon but est que chaque élève est de bonnes bases. Même si la musique est surtout basé sur les sentiments avoir de bonne base est utile et permet d’aller plus loin. On écoute et analyse du rock, du rap, du classique , de l’électronique ect… que l’on fasse du commercial ou non la musique c’est du travail. Je n’est pas fait d’école mais fait de nombreuses formations afin d’être plus performant. L’avantage d’être dans une école est que l’on peut ce former dans les meilleurs conditions.

Suite à la dernière interview certains de vos fans ont été interloqué sur le fait que Les Beatles ont été une de vos influences. Que leur répondriez-vous ?

Le monde de la musique est cruel, quel que soit le style choisi nous avons des fans qui n’écoutent qu’un seul genre et n’arrive pas à accepter l’ouverture d’esprit. En tant qu’interprète plus on entre dans un style moins on en écoute, on est baigner toute la journée dans un style et notre cerveau à besoin de repos. J’aime la musique de manière général et c’est aussi grâce à cette ouverture que l’on compose des titres et on à des influences pour composer. Rester dans un style bien défini fait que on aime son confort mais qu’il faut aussi le quitter afin de l’apprécier au mieux et y comprendre ses subtilités.

Nous vous remercions d’avoir accepté ce projet d’interview qui nous porte très à cœur . Nous aimons énormément votre musique qui dégage beaucoup d’émotions.

Youtube : https://www.youtube.com/channel/UCy8QklpXEsyj92gaegrV8Mw

Sound Base Music :https://sbmonline.de/

INTERVIEW : Alicia Desnoyer

The Offspring revient prêt avec Let The Bad Times Roll

La progéniture, laissez les mauvais temps rouler

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Cela fait neuf ans que The Offspring a sorti son dernier album,  Days Go By . Les conflits avec un ancien label, Columbia, ont contribué au retard, tout comme la pandémie. Initialement prévu pour une sortie en 2020, Let The Bad Times Roll se serait senti opportun l’année dernière et est légèrement daté maintenant – mais il vaut mieux tard que jamais.

The Offspring a eu beaucoup de temps pour travailler sur cet album, ce qui aurait dû conduire à des chansons plus robustes. Cependant, le plus souvent, ils se sentent à moitié cuits au milieu d’un son dissonant. Parfois, Dexter Holland et le guitariste principal Noodles renoncent à vouloir expérimenter des éléments de jazz, de pop et d’orchestre – seulement pour ramener le public à son ancien son skate-punk d’albums comme  Smash  et  Ixnay On The Hombre . Pourtant, alors que  Let The Bad Times Roll est en retard à la table, les choses que l’album va bien, ça va parfaitement bien.

L’album s’ouvre en force avec «This Is Not Utopia», qui partage mélodiquement certaines choses en commun avec «Slim Pickens Does the Right Thing and Rides the Bomb to Hell», bien qu’avec un accent sociopolitique différent, en particulier sur la façon dont les médias et l’hystérie alimentent le zeitgeist typiquement américain de la culture de la peur qui en est venu à définir le pays au cours des 20 dernières années. La chanson titre élargit sa portée politique avec un retrait satirique de l’administration Trump, mais la critique arrive un peu tard, plus de trois mois après le début d’une nouvelle présidence. La chanson offre une esthétique pop-rock avec une mélodie plus optimiste et rebondissante pour contraster les paroles cyniques, divergeant grandement de la chanson précédente.

«Behind Your Walls» commence par une douce mélodie de guitare électrique solo qui se transforme en une chanson sombre et désirante qui détaille l’histoire de deux personnes, l’une qui se ferme du monde et le narrateur en raison d’une vision de plus en plus négative, tandis que le narrateur tente désespérément de les atteindre.

«Army Of One» est une fusion de surf-rock et de punk, livrant un appel à l’action hymne de l’auditeur – presque comme pour dire que même si les chances sont contre nous, nous devons mener le bon combat. «Coming For You», sorti pour la première fois en single en 2015, suit l’influence plus hard-rock des albums ultérieurs d’Offspring comme  Rise and Fall  et Rage and Grace. Il a un tempo de marche accentué par des applaudissements, à la «Rock and Roll» et est un hymne sportif sur mesure.

Le point bas de l’album se présente sous la forme de «We Never Have Sex Anymore», un numéro bizarre influencé par le jazz qui détaille les insécurités d’un mariage vide. C’est presque comme si Dexter Holland avait réécrit «Self Esteem», mais pour une population vieillissante de baby-boomers impuissants qui hésitent à divorcer. Holland se plaint maladroitement de son désir d’être détesté par sa femme s’il ne peut pas coucher avec elle.

Nous entrons ensuite dans l’ajout bizarre d’une reprise de la composition classique de 1875 « In the Hall of the Mountain King », un morceau d’une minute qui va… exactement comme vous vous y attendez. Ce n’est pas désagréable ou terriblement fait, mais son placement sur l’album n’a aucun lien avec ses autres thèmes. Était-ce une blague? Pas clair. Mais cela fait dérailler le flux de l’album.

Revenant à l’esthétique punk traditionnelle, «The Opioid Diaries» est une critique cinglante de la crise des opioïdes aux États-Unis et de la tendance des prestataires médicaux à pousser les pilules au lieu de soins de qualité. Il y a une panne de guitare à mi-chemin, et même si cela ne colle pas tout à fait avec le reste de la chanson, cela ne fait pas de mal non plus. «Hassan Chop» continue de délivrer le son Offspring plus ancien, avec Holland offrant des performances vocales à moitié parlées et à moitié hurlées par opposition à la mélodie. C’est parfait pour les moshers de se débattre dans la fosse. L’album comprend également une nouvelle version du hit «Gone Away», sur une mélodie de piano sereine avec un soutien orchestral sur le refrain.

Les podcasts sont arrivés sur Amazon Music

Amazon Music Unlimited est un service de streaming sans publicités avec plus de 50 millions de titres à écouter partout. Ce service fournit un accès aux derniers albums, et a ceux de légende ainsi qu’à un vaste choix de playlists et de radios. Les utilisateurs peuvent utiliser l’application Amazon Music pour streamer leur musique ou la télécharger pour une écoute hors-ligne.

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Epica – Omega – Album

EPICA est vraiment devenu un nom familier sur la scène metal symphonique mondiale. Après la sortie en 2016 de « The Holographic Principle », le groupe a fait sa plus grande tournée depuis des années, a sorti deux EP, a pris une courte pause pour écrire et publier son tout premier livre; Bref, le groupe a vécu quelques années assez intenses. Si vous vous êtes déjà demandé s’il n’y avait pas d’arrêt EPICA , vous avez raison! Preuve en est «Omega», le 8e effort studio du groupe de métal symphonique, sorti le 26 février 2021, via Nuclear Blast Records .

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Quand je pense à EPICA , la première chose qui me vient à l’esprit, ce sont les orchestrations incroyables qui accompagnent leur musique et les intros tueuses. «Omega» ne fait pas exception à la règle car il commence par «Alpha – Anteludium». Avec un crescendo, il coule en douceur à pleine puissance dans le morceau principal, «Abyss of Time – Countdown to Singularity». Quand ce morceau est sorti à l’origine en tant que premier single, ma réaction a été, hé cool, c’est probablement l’un des meilleurs morceaux que EPICA a sorti depuis quelques années maintenant. Je n’avais pas complètement tort. Cette piste est un rappel instantané d’ EPICA Les chansons du passé et pourtant il a beaucoup de choses rafraîchissantes à offrir, la répartition est étonnamment progressive, mais il y a tellement plus que cet album a à offrir. «The Skeleton Key», par exemple, n’est peut-être pas le clou de cet album, cependant, il est rempli de vers intrigants qui créent de la tension, une approche relativement minimale pour EPICA , et ce son magique d’un chœur d’enfants que le groupe a maîtrisé incorporé dans «Omega».

Il était une fois, EPICA ne s’est pas éloigné des influences orientales dans leurs chansons, et il y a une poignée de chansons où ces influences reviennent à la vie. «Seal of Solomon» est l’un de ces exemples et encore mieux est «Code of Life», qui est probablement l’un de mes morceaux préférés sur l’album. La chanson met également en vedette Zaher Zorgati ( MYRATH ) faisant des chants arabes atmosphériques, qui se marient bien avec le chant d’opéra de Simone Simons . C’est très subtil et un détail que vous pourriez facilement manquer, mais il est là et cela donne à la chanson un punch supplémentaire. «Gaia»,d’un autre côté, c’est peut-être l’un des morceaux les plus courts de cet album, mais il ne manque pas de son, car c’est probablement l’une des chansons les plus extravagantes à entendre.

«Freedom – The Wolves Within» est sorti en tant que deuxième single et montre peut-être le côté le plus pop et accrocheur d’ EPICA . Cependant, c’est « Kingdom of Heaven Pt.3 – The Antediluvian Universe » que j’ai le plus attendu . Le «Royaume des cieux»les chansons ont toujours été parmi mes préférées de tous les temps et la pièce maîtresse de cet album consacre près de 14 minutes à cette histoire. L’accumulation est incroyablement belle et pourrait facilement servir de partition d’un film d’aventure (conseil de pro, cette chanson fonctionne également parfaitement séparément après avoir écouté les parties 1 et 2 hors du contexte de cet album). Ce morceau est magnifique du début à la fin et même si sa longueur peut vous faire croire qu’il pourrait être le morceau le plus difficile de l’album, il est très facile à entendre et montre l’écriture mûrie du groupe au fil des ans. Un exemple typique est l’ incroyable solo de piano de Coen Janssen à mi-parcours. L’intensité est rompue avec les fragiles «Rivières» qui montrent le côté le plus sensible de Simone Simons‘voix, avec cette belle ballade de puissance, EPICA reste à l’écart des écueils des ballades, ce qui en fait un incroyable voyage atmosphérique et minimal qui surprend et plonge l’auditeur dans son univers inoubliable.

Le groupe reprend le rythme avec «Synergize – Manic Manifest», qui illustre parfaitement la façon dont le groupe a créé un magnifique flux et reflux de son son ancien et plus récent, incorporant à la fois des éléments poppy avec un son plus extrême et agressif; tandis que le début est incroyablement accrocheur, à mi-chemin des battements de souffle et des grognements se cachent dans le coin et vous prennent par surprise. Ceci est complété par un solo de guitare groovy. Je ne peux pas m’empêcher de penser que ce sera une chanson live incroyable avec Mark Jansen jouant avec le public pendant qu’il grogne « Rise! » Le morceau se fond parfaitement dans la chanson suivante, «Twilight Reverie – The Hypnagogic State», qui met en vedette Vicky Psarakis (THE AGONIST ) comme voix off. La chanson est l’une des plus accrocheuses, avec un refrain très puissant.

J’imagine qu’il était logique qu’un album nommé «Omega» se termine par sa chanson titre, «Omega – Sovereign of the Sun Spheres», et avec elle, EPICA termine son album avec style combinant tous leurs efforts dans un morceau impressionnant de 7 minutes qui incorpore tous les principaux éléments d’ EPICA en un seul: une frénésie orchestrale avec des voix puissantes, des parties de guitare progressives, et tellement de couches qu’il exige une relecture instantanément.

Lorsqu’un album est aussi proche de la perfection que «Omega», il peut devenir un peu difficile d’écrire une conclusion correcte. La surabondance d’adjectifs comme incroyable, magique, etc. dans cette revue parle également de sa qualité dans son ensemble. Néanmoins, pour les fanatiques de longue date d’ EPICA , «Omega» est un beau pont entre le matériel plus ancien (par exemple «The Phantom Agony» ) et leurs albums plus radio (par exemple «The Holographic Principle» ), c’est presque aussi si EPICA prenait le temps de réfléchir sur toute sa carrière, non seulement mélangeait parfaitement leurs différents styles, mais intégrait également une nouvelle identité rafraîchissante, créant quelque chose de si familier, mais différent. En plus de ça,La production de Joost Van den Broek pour cet album est phénoménale, non seulement les chansons sonnent bien, mais elles ont aussi un certain avantage, ce qui les rend plus naturelles.

Et si cette fin de Daft Punk n’était que le début de leur retour ?

Daft Punk, c'est fini

Imaginez, un ami lointain, mais auquel vous tenez, revient après 7 ou 8 ans d’absence pour vous dire adieu. C’est à la fois beau, déchirant et difficile à accepter. On veut alors imaginer que tout n’est que mirage, et que derrière se cache une oasis prophétique où les machines laisseraient place aux humains… Après tout, pourquoi pas.

Comme tout le monde, j’étais complètement abasourdi. Attristé par cette annonce, qui a fait l’effet d’une bombe en ce lundi après-midi. Lundi 2.22.21. Si vous allez jusqu’au bout de ces lignes, vous verrez, entre autres, que ces chiffres et le message (biblique) qui pourrait se cacher derrière me poussent à espérer que Daft Punk va poursuivre son œuvre musicale. Car comme tout le monde, j’aime tellement ce groupe que j’ai envie de croire en leur retour, quitte à imaginer les scénarios les plus farfelus, quitte à exposer les pensées les plus ambiguës. Mais rêvons… 20 h 48 : après une journée tumultueuse, je ne me remets toujours pas de cette fin brutale ; comme vous, jusqu’à maintenant, qui êtes ici. En plein dépit, je prends mon téléphone, ouvre mon Insta, et demande à Pedro Winter, boss d’Ed Banger et manager historique des Daft (oui, je préfère dire « des » Daft, c’est plus cool) : « Pedro, la vérité… c’est plutôt un teasing de leur retour hein ? » 21 h 05, réponse : « Si seulement 🙂 Épilogue… »

« Épilogue », soit le titre de la vidéo la plus marquante de ce début d’année, postée sur le compte YouTube de Daft Punk en cet obscur lundi 2.22.21, à 14 h 21 précisément. Vous lisez bien : 14 h 21… c’est tout. Tout d’abord, regardons simplement la définition d’un épilogue : « Un épilogue est la dernière partie, la conclusion d’une œuvre. Il désigne plus particulièrement au théâtre classique un discours récapitulatif à la fin de la pièce. Ce terme désigne en général une partie finale ajoutée, comme de surcroît, à un discours, à un ouvrage, en lui-même complet. » Oui, je suis allé sur Google, et oui, cette définition ne va pas beaucoup nous aider. Tentons quand même d’avancer… Si l’épilogue est « ce qui termine une affaire, une histoire, une aventure », et que l’on considère cette vidéo comme telle, on peut s’arrêter là. Mais la fin ne peut s’écrire d’une telle manière. Et s’il faudra peut-être se faire une raison, je ne veux pour l’instant pas y croire. Les Daft ne laissent jamais rien au hasard et poursuivront leur œuvre entre 2021, année de la reconstruction, et 2022, année de la résurrection. Bref, poursuivons justement, nous aussi perdus dans cet article désertique mais armés d’espérance.

Tiré du film Electroma sorti en 2006, cet extrait vidéo où les deux robots se retrouvent au milieu du désert n’est donc pas nouveau et pourrait faire office de teaser, à l’épilogue qui nous attendrait réellement. Le résumé d’une immense carrière, un dernier point au bout de près de trente années d’une histoire légendaire. À quoi pourrait-on alors s’attendre… un best-of ? Bof. Un nouvel album ? Pourquoi pas. Une dernière tournée, un nouveau live surprise comme ils ont si bien su le faire et qui récapitulerait le chemin parcouru par le duo mythique – avec ou sans casques comme à l’ancienne ? C’est ce qui collerait le plus à un vrai épilogue. On reparlera de tout cela.

Analysons la vidéo. La date 2.22.21 apparaît dès le départ. Au milieu d’un désert, Thomas Bangalter marche plus lentement tandis que Guy-Man, dans son casque doré, avance plus rapidement vers le second plan pour devenir de plus en plus flou. T. B. a la tête baissée, G.-M. la tête relevée vers l’horizon. T. B. s’arrête, G.-M. continue d’avancer, puis se retourne face à son binôme. Ils se regardent, de loin. T. B. baisse la tête de nouveau et fixe le sol asséché. G.-M. revient vers lui, ils se retrouvent face à face, dans le reflet l’un de l’autre. T. B. relève la tête, déboutonne sa veste, la retire. Ils se regardent, immobiles. T. B. se retourne, deux interrupteurs dans le dos, prêts à être désactivés. G.-M. les regarde et enclenche le détonateur. Une minute chrono avant l’explosion. T. B. s’éloigne à son tour, pendant que les secondes de son minuteur s’approchent de zéro. T. B. serre le poing. Il explose en confettis, l’habit vide. « 1993-2021 » s’affiche alors. De leur début de carrière à cette triste année, qui est leur dernière. Comme sur une pierre tombale, ornée de leurs mains formant une pyramide lumineuse (non non non, je vous vois venir… on ne va pas encore parler des Illuminati hein !). Terminons l’histoire : G.-M. s’avance seul vers l’horizon. Vers un soleil qui ne se couche pas mais se lève sous un nuage épais.

Adieu la moitié des Daft ? Est-ce Thomas Bangalter qui ne peut plus continuer ainsi ? Vers quel avenir Guy-Man marche-t-il, seul, après avoir détruit son acolyte ? Le soleil se profile en tout cas à l’horizon, et on a envie de croire qu’après cette onde de choc, un futur radieux les attend. Il s’agit de robots, ils peuvent se reconstruire, revenir dans un nouvel accoutrement, sous de nouveaux casques. L’un peut-il ramener l’autre à la vie ? Pour un projet hybride ? Ou se délesteraient-ils carrément de leur armure, tuant les anciens Punk et revenant à un corps pur ?

Dans le long-métrage Electroma dont est tirée cette vidéo, les deux robots sont à la quête de l’humanité, ils cherchent à atteindre l’inatteignable, puisant au plus profond de leur sensibilité. Échec – au sens propre comme au sens littéral du terme, ceux qui ont vu le film comprendront –, ils ne sont que robots. Mais aujourd’hui, ils pourraient bien enfin redevenir humains, se délestant de leur combinaison pour laisser jaillir leur être. Le film racontait aussi l’Homme et son désir d’appartenir à un groupe tout en voulant s’en détacher. Leur masque fondait dans une scène intense, leur souffrance était palpable dans une solitude et une différence qui les poussaient à se démarquer du reste du monde. Si les Daft ont échoué dans leur quête d’identité, ils pourraient bien y avoir mis fin aujourd’hui… ou la retrouver.

Human After All, RAM et la théorie du 8

Les Daft, sans casques, comme au tout début, histoire de boucler la boucle ? Je pars un peu loin et ce serait incroyable. En cas de retour, une chose serait sûre : il s’agirait d’un dernier retour pour la route. Un dernier voyage après s’être retrouvés, et avant la destruction finale. Un adieu serait inconcevable aujourd’hui et dur à accepter, adieu qu’ils auraient pu annoncer au cours de ces sept dernières années de silence depuis leur performance aux Grammy Awards. Depuis leur dernier effort en date, Random Access Memories, sorti il y a 8 ans, le 17 mai 2013, la fin du duo aurait pu être amorcée plus tôt qu’en cette (déjà) sale année 2021. Et pourquoi revenir pour juste annoncer une séparation, après sept années d’attente. Sept années pendant lesquelles ils sont inévitablement retournés en studio, entre musique et vie de famille. Mais ils ont 46 et 47 ans, et la seule chose qui justifierait une fin qui paraît à la fois tardive et prématurée tant leur aura est intemporelle : ne plus arriver à faire la musique recherchée, être dépassés, par manque d’inspiration ou d’envie – une raison qui serait louable, car les Daft font passer la création avant tout autre intérêt –, soit parce qu’ils peuvent se le permettre, soit parce que leurs visières renferment deux âmes pures d’artistes.

Deux artistes qui sortaient leur troisième album Human After All le 14 mars 2015, 8 ans après Homework, 4 ans après Discovery arrivé à mi-chemin de leur construction, et 8 ans avant Random Access Memories. S’il symbolise l’infini tourné vers les cieux, le chiffre 8 porte aussi une théorie utilisée de manière cinématographique, ou dans un processus créatif, comme une boucle temporelle. Un cycle représenté par 8 étapes, parcourues dans cet ordre : You (« toi, moi »), Need (« besoin »), Go (« aller, partir »), Search (« chercher »), Find (« trouver »), Take (« prendre »), Return (« revenir ») et enfin Changed (« changé, modifié »). Sept ans après RAM, nos deux robots de trouveraient alors à l’étape 7, celle du retour, allant vers l’étape 8, celle du changement. Ce qui pourrait, si l’on poursuit nos rêves les plus fous, donner lieu à une reconstruction cette année avec un nouvel album, avant un live en 2022 et sous une forme nouvelle. Ils sont des humains après tout et, à l’heure où l’on porte tous des masques, eux tomberaient les casques et redeviendraient humains avant tout.

2.22.21

C’est la date à laquelle l’annonce de leur disparition est tombée, et qui apparaît donc en tout début de vidéo. 2.22.21 -> 2 Daft. 22 : ensemble, réunis. 21 : l’un des deux est vivant, l’autre vient d’exploser. 2.22.22 -> 2 : les deux Daft réunis en 2022, pour un album, ou une tournée, ou les deux. Vous n’y croyez toujours pas ? C’est normal tant c’est tiré par les casques. On va alors s’en remettre à la Bible. Voici à quoi renvoient ces chiffres, 2.22.21, lorsqu’on cherche rapidement sur Google :

Marc
2:21-22
La Parole de Dieu
Jésus a dit : « Personne ne coud une pièce de drap neuf à un vieil habit ; autrement, la pièce de drap neuf emporterait une partie du vieux et la déchirure serait pire. Et personne ne met du vin nouveau dans de vieilles outres ; autrement, le vin fait rompre les outres, et le vin et les outres sont perdus ; mais il faut mettre le vin nouveau dans des outres neuves. » [Les « outres » sont des récipients, ndlr.]

« Mais il faut mettre le vin nouveau dans des outres neuves. » Si l’on veut y croire, on retiendra cette dernière phrase. Les Daft Punk ne peuvent pas revenir dans leur vieil habit, ils ne peuvent pas mettre de la musique nouvelle dans leurs vieux gants. Sinon ça s’arrête là. Mais la chute ouvre à une nouvelle perspective, comme l’horizon s’ouvre sur un nouveau jour dans la vidéo dont on parlait. Cette vidéo dure d’ailleurs 7 min 58 . 7 + 5 + 8 = 20. 2020. Hum… non, rien à dire de plus à part que c’était une année de merde ; passons.

Il est temps de mettre un terme à ces rêveries. Je veux y croire et, si je me trompe… c’est parce que j’ai trop voulu y croire tant cette fin nous a attristés. Et faudra se faire à l’idée que c’est terminé. Dans tous les cas, Thomas Bangalter et Guy-Manuel de Homem-Christo, si vous lisez ces mots : vous devez revenir, pour le bien de l’humanité. En attendant d’en savoir peut-être plus (ou pas), on va rester sur ces paroles de fin de « Touch », titre extrait du dernier album des Daft et qui vient habiller cette (dernière ?) vidéo, dont les paroles brutalement coupées avant le dernier mot peuvent finalement faire sens… au beau milieu de nulle part, et pour le pire comme pour le meilleur à venir.

Il y a dix ans, Kanye West sortait son meilleur album : My Beautiful Dark Twisted Fantasy ! Analyse, d’un disque qui clôture les années 2000, période flamboyante d’un Kanye de plus en plus extrême et visionnaire. 👉

Le 21 novembre 2010, le rappeur et producteur Kanye West sort son album le plus ambitieux, My Beautiful Dark Twisted Fantasy. L’artiste de Chicago est alors au centre de toutes les attentions après les énormes succès du blockbuster Graduation, puis du pop et expérimental 808s and Heartbreak, grâce à son utilisation révolutionnaire et personnalisé de l’autotune.

Kanye entamait alors une énorme métamorphose, celle qui va rendre sa carrière mythique, en s’éloignant de la soul accélérée qu’il a aidé à développer à ses débuts avec le label Roc-A-Fella. À la fin des années 2000, le rappeur-producteur cherche autre chose, une profondeur inédite, un point d’appui immuable. Peut-être sans vraiment en avoir conscience, Kanye West cherche à construire son Thriller, son œuvre ultime.

Depuis que Kanye a perdu sa mère Donda West en 2007, son identité artistique explose de toute part. Kanye fait face à un chagrin incommensurable qui fait ressortir ses démons grandissants : la mégalomanie, le mauvais goût et l’addiction au porno. Le monde découvre plus amplement ce personnage imbu de lui-même, accompagné d’Amber Rose et d’une bouteille d’Hennessy, lors de la cérémonie des VMAs en 2009 où Kanye créé un énorme malaise pendant la remise de prix de Taylor Swift.

Cet incident qui ne dure que quelques secondes va totalement influer sur le reste de la carrière de Kanye West, le rendant encore plus extrême dans ses prises de parole et dans son art. Assailli par les médias et l’industrie musicale qui lui demandent des comptes, Kanye West décide de partir au Japon puis à Rome et enfin de s’isoler à Hawaï pour créer en se servant de toutes ses émotions contradictoires, entre pouvoir, gloire, excès, peine et désillusion. Une retraite loin des caméras et du tourbillon de la célébrité que Kanye annonce sur le plateau du Tonight Show de Jay Leno afin de se recentrer et retrouver son véritable équilibre.Cette incroyable période d’enregistrement à Hawaï, qui va durer presque un an, est certainement l’âge d’or dans la carrière de producteur et de rappeur de Kanye West. L’artiste y apparaît comme un chef d’orchestre, sûr de lui, avec une superbe direction mais aussi ouvert à de nombreuses expérimentations. Après l’incursion pop 808’s and Heartbreak, Kanye veut continuer le mélange total dans son instrumentation et il invite une pléthore d’artistes pour trouver la précision qu’il recherche, sa note bleue personnelle.

Ainsi Pete Rock, RZA, No I.D., Swizz Beatz ou Q-Tip se croisent pour offrir des racines solides à la production que Kanye recherche. Et côté de cela, S1, Hit-Boy ou Lex Luger passent aussi du temps au studio d’Hawaï pour apporter une vision neuve. Ce mélange des styles et des époques ouvre des portes incroyables avec Mike Dean en entremetteur de luxe. Kanye y trouve sa définition, iconique et épique de My Beautiful Dark Twisted Fantasy en mixant des batteries très fortes et séculaires avec des mélodies et des instruments plus pop et modernes. Un premier extrait sort alors le 28 mai 2010, « Power », et il y a toute cette recherche à l’intérieur.

« Power » est une première réponse aux critiques incessantes sur l’artiste pendant ces derniers mois. Kanye y aborde son rapport au succès et à la célébrité sur un sample vocal emprunté au groupe vénézuélien Afromerica (enregistré en France pour la petite histoire) et un clin d’œil au rock progressif de King Crimson avec un « 21s Century Schizoid Man » très à propos. Kanye expliquera dans le documentaire The Art of Rap (2012) qu’il a mis plus de 5 000 heures pour peaufiner et terminer le texte de « Power ». Et au final, il commence à y questionner sa santé mentale, un sujet qui va devenir totalement une norme dans les années 2010, mais qui à l’époque reste encore très minoritaire dans le rap.

Et le visuel qui accompagne le morceau sera aussi totalement déterminant pour la suite, avec ces symboles très forts, entre mythologies grecque et égyptienne, mis en scène comme dans un tableau de Véronèse, Botticelli ou Titien. Cette esthétique grandiloquente et baroque sera le point de départ de Watch The Throne, le projet de Kanye avec son « grand frère » Jay-Z qui sort une année après et dont de nombreux morceaux ont été initiés aussi à Hawaï pendant les mêmes sessions d’enregistrement. En 2010, Kanye concentre ses innovations des précédents albums tout en créant ce qu’il va devenir ensuite : le roi du baroque dans le rap.

Avec cette profusion créative, Kanye West lance alors d’Hawaï un concept qui épouse totalement sa boulimie d’expression : les G.O.O.D. Fridays. Initié en août 2010 avec un remix de « Power » invitant Jay-Z et Swizz Beatz (encore du futur Watch The Throne), ce processus propose un morceau inédit chaque vendredi, directement extirpé des entrailles bouillantes du studio à Hawaï. Ainsi le rappeur/producteur lance son idée de musique perpétuelle, de flux continu, alors que le streaming n’en est qu’à ses balbutiements. Et Kanye ménage un suspense incroyable pour ce qui va devenir My Beautiful Dark Twisted Fantasy.Ces G.O.O.D. Fridays permettent aussi et surtout à Kanye de créer des morceaux d’ensemble avec des nombreux artistes, des combinaisons inédites et sincères. Certains titres seront d’ailleurs gardés pour l’album, tellement la collaboration a atteint son apogée. C’est le cas de deux des plus beaux couplets de l’album, mais aussi de la carrière des rappeurs invités : Nicki Minaj sur « Monster » et Rick Ross sur « Devil in a New Dress ».

Kanye arrive à sortir le meilleur de ses invités et ça en dit beaucoup sur l’intensité, le travail et le chaos qui devaient régner pendant cette période d’isolement et de création. Sur l’album, on retrouve aussi cette explosion d’équipe sur « Gorgeous », avec notamment un retour de Raekwon au top, « So Appalled » ou « See Me Now ».

My Beautiful Dark Twisted Fantasy est un cocktail étrange de création collective ultime avec des dizaines de noms sur chaque morceau, mais aussi l’avènement d’une écriture très personnelle et introspective pour Kanye. C’est ce grand écart entre blockbuster et film indé qui semble en créer tout le sel. Et le meilleur symbole en est sûrement, « Runaway ».Présenté en même temps qu’un film de 34 minutes, ce morceau synthétise toutes les ambitions de Kanye à cette époque. Une note de piano stridente et sans fin pour débuter un morceau de 9 minutes qui évoque l’arrogance et l’insécurité, sa relation avortée avec Amber Rose et sa fierté mal placée. Ponctué par un couplet génial de Pusha T, « Runaway » est un des plus beaux morceaux de la carrière de Kanye West, à la fois ambitieux et intime, grandiloquent et sincère, rap et pop.Cette même recette étrange, que seul Kanye West peut réussir, se trouve aussi être l’essence de son plus gros succès : « All of the Lights ». Comme Public Enemy en son temps, ce morceau semble trop chargé comme si des milliers des pistes audio tournaient en même temps avec un orchestre symphonique par-dessus. Et pourtant, comme Public Enemy en son temps, tout est clair, précis, une locomotive en marche à grande vitesse, implacable, grandiose.Il y a plus de quatorze chanteurs et chanteuses crédités sur ce morceau, dont Elton John, Rihanna, Drake et Alicia Keys. Pourtant, rien ne déborde, ne passe au-dessus, comme si Kanye avait trouvé la formule pour faire sonner le collectif comme une œuvre individuelle. Tous les invités ont connu des problèmes avec la célébrité, le regard incessant du public, les caméras et les flashs toujours tournés vers soi.La prédiction d’un mal-être généraliséDans ce titre comme dans l’ensemble de My Beautiful Dark Twisted Fantasy, Kanye synthétise tout ce mal-être globalisé avec le début de l’omniprésence des réseaux sociaux, les biais sociaux de la téléréalité et de l’information en continu. Même s’il va en devenir un acteur principal les années suivantes, Kanye West arrive à faire le point et à garder la tête froide face au pire de lui-même.Il arrive à condenser le meilleur de tout ce qu’il a donné musicalement dans les années 2000, entre rap brutal et pop visionnaire, tout en offrant une vue vertigineuse sur ses failles, ses peurs et ses travers. Les mêmes qui vont continuer à le nourrir et le hanter, des années 2010 jusqu’à nos jours. Dix années après, le point culminant de cette courbe, My Beautiful Dark Twisted Fantasy, avait déjà tout prévu.

Réécoutez le meilleur album de Kanye West, My Beautiful Dark Twisted Fantasy

Miss K8 sort son EP «From The Depths»

Miss K8 commence l’année 2021 en force en vous emmenant dans une expédition sonore déformée. Son EP «From The Depths» est une sortie sophistiquée et diversifiée de 2 titres qui plonge dans un nouveau son.

Masters of Hardcore | Official website

L’EP comprend la nouvelle chanson solo de K8, «From The Depths», qui englobe un son intense et distinctif combiné à une atmosphère incomparable. Après « From The Depths » est le remix DRS sauvage et ultra-rapide du hit de 2017 « St8ment » qui vous fracassera la mâchoire directement au sol!

Tout ce que nous pouvons dire, c’est boucler votre ceinture et profiter de cet EP authentique et dur comme des ongles!